Resumen+del+Renacimiento+Italiano

= RESUMEN DEL RENACIMIENTO ITALIANO =

**INTRODUCCIÓN AL RENACIMIENTO** El Renacimiento es uno de los grandes momentos de la historia universal que marcó el paso de mundo Medieval a un nuevo mundo, es decir, transcurre entre los siglos XV y XVI. Su desarrollo coincidió con el inicio de la Edad Moderna, marcada por la consolidación de los Estados europeos, los viajes transoceánicos que pusieron en contacto a Europa y América, la descomposición del feudalismo, el ascenso de la burguesía y la afirmación del capitalismo. Durante este periodo, el hombre está en el centro de la Creación y comienza a emplear la razón, la cual llevó a Nicolás Copérnico al descubrimiento de que la Tierra gira alrededor del Sol. Por otro lado, se produjeron grandes avances en el campo de la navegación que permitieron el descubrimiento de nuevos territorios, entre ellos América. Además el alemán Johannes Gutenberg inventa la imprenta, lo que permite divulgar los conocimientos y la literatura más rápidamente y a más bajo coste. El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. Será a partir de este momento cuando ya cobrará fuerza el redescubrimiento del hombre como individuo, el redescubrimiento del mundo como armonía y realidad que rodea al hombre liberado de todas las preocupaciones religiosas. El nombre «renacimiento» se utilizó porque éste retomaba los elementos de la cultura clásica. El término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, revisando el teocentrismo medieval y sustituyéndolo por cierto antropocentrismo. Por este motivo, se inicia un exhaustivo estudio de todos los ámbitos culturales del pasado grecolatino lo que implica el análisis de la arquitectura, los tratados, la mitología y la literatura. Hasta este momento, el artista había sido considerado como alguien que realizaba una labor tipo artesanal, tarea que no requería ningún esfuerzo intelectual. En Italia, en el siglo XV, el artista comienza a ser alguien más respetado y valorado cuya actividad se va a ir separando poco a poco de lo meramente manual. También destaca la realización de estudios y análisis recogido en textos denominados tratados. Podemos decir que el número de artistas que sistematiza sus estudios en los tratados es realmente grande, lo que demuestra el creciente interés por el rigor de carácter científico aplicado a la creación artística. El Renacimiento en Italia se divide en tres etapas: · **Quattrocento**: siglo XV  · **Cinquecento**: primer tercio del siglo XVI · **Manierismo**: a partir del segundo tercio del siglo XVI



**ARQUITECTURA RENACENTISTA** Los elementos más importantes de la arquitectura renacentista son los siguientes: Ø **Búsqueda del ideal clásico**: Se intentó concretar conceptos clásicos como la belleza, surgiendo así la teorización y ordenación del movimiento, fundamentado en la arquitectura clásica greco-romana. Según los teóricos renacentistas éste era el camino idóneo para alcanzar el mundo ideal. Ø **Visión profana sobre temas religiosos**: Los valores clásicos, desde el punto de vista del Cristianismo, de enorme influencia en este período (teniendo el cuenta que el Renacimiento surge en Italia, donde la presencia de la Iglesia Católica fue decisiva para el Arte), eran considerados paganos y de carácter pecaminoso. Para superar esta censura de la Iglesia Católica, se integró la visión del mundo cristiano con el proyecto de recuperación de los ideales clásicos, a través de escenas desacralizadas y edificios hechos a la medida del hombre. Esta fue otra de las innovaciones del movimiento. Ø **Influencia de la naturaleza**: La naturaleza era vista como la creación suprema de la obra de Dios y el elemento más próximo a la perfección (otro de los ideales que había que buscar a través de la estética clásica). Así, se pasa de la búsqueda de la inspiración en la naturaleza, a la inspiración en las formas de la propia naturaleza, tal como proponen los clásicos, convirtiéndose esto en un valor autónomo. Ø **Antropocentrismo y humanismo**: Además de la naturaleza como creación perfecta, se vuelve la mirada al ser humano. El hombre se analiza, en vez de como ser creado a imagen y semejanza de Dios, como medida y referencia del Universo. Así, será el objeto central de la manifestación artística. El humanismo, como corriente filosófica, se manifestó como un sentimiento comprometido con la representación del hombre en el Universo, que así reafirmaba su presencia. Ø Un dato importante en la definición de espacialidad del Renacimiento es la incorporación de la **perspectiva** como instrumento del proyecto arquitectónico y la noción de **diseño** como forma de conocimiento. El edificio no domina al individuo, sino que éste reflexiona sobre su espacialidad y la maneja; se traslada el concepto de una arquitectura a la medida de Dios a la de una a la **medida del hombre**. Ø En el **ámbito civil**, encontramos palacios y villas, lugares donde vivían los nobles y un exponente claro de sus situaciones económicas y sociales. Ø En el **ámbito religioso**, se seguirán construyendo templos con planta de cruz latina; el tipo de arco será el de medio punto junto con columnas clásicas; los edificios se cubren con cúpulas o bóvedas de cañón decoradas con casetones; y los principales elementos decorativos son los grutescos (serie de figuras que se entremezclan formando un todo), figuras mitológicas, etc. introduciendo algo de fantasía en la rigurosa aplicación matemática.

ARQUITECTURA DEL QUATTROCENTO Los arquitectos buscaron el dominio del espacio introduciendo elementos simples y proporcionados. En el Quattrocento fue frecuente recurrir a columnas y pilastras adosadas, a los capiteles clásicos (con preferencia el corintio, aunque sustituyendo los caulículos por figuras fantásticas o de animales), fustes lisos y casi omnipresencia del arco de medio punto. Se usa también la bóveda de cañón y de arista, y cubiertas de madera con casetones. Lo que fundamentalmente distingue a la arquitectura del Quattrocento de la del Cinquecento es la decoración menuda (putti, guirnaldas de flores o frutos, grutescos, etc.), las cúpulas con nervios, con ciertos resabios góticos y las fachadas simétricas de pisos superpuestos o con sillares almohadillados. En general, la arquitectura cuatrocentista da la impresión de orden, sencillez, ligereza y simetría, predominando en el interior de los edificios la luminosidad y la desnudez. Los arquitectos más destacados de este período son Brunelleschi y Leone Battista Alberti. El primer gran artista de la arquitectura del Renacimiento fue Filippo Brunelleschi (1377-1446), quien mediante la realización de la cúpula de //Santa María de las Flores// en la ciudad de Florencia inaugura oficialmente el Renacimiento. Aunque se inició como escultor, es el campo de la arquitectura donde se reconoce su genialidad. La cúpula de //Santa María de las Flores// se encuentra en la catedral gótica de Florencia que fue realizada por Arnolfo di Cambio, pero estaba sin concluir pues se encontraba sin abovedar el crucero. Por la altura del edificio, la cúpula que cubriera dicho crucero no podía ser totalmente semiesférica por posibles problemas en el sistema de empujes y contrarrestos de fuerzas. La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una superposición de dos de media naranja ojivales octogonales, una dentro de otra, que estaban hechas de ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos. Esta innovación permitía un reparto de esfuerzos, además de conseguir la sensación de ligereza. La distancia entre ambas cúpulas se mantiene siempre constante. Por su casquete alargado recuerda al gótico. Está construida sobre un tambor poligonal de madera, que más adelante se recubrió con mármoles, en el cual se abrieron ventanas circulares, que proporcionan iluminación cenital al interior del crucero. También destacan otras obras como la basílica de //San Lorenzo// en Florencia y la fachada del //Hospital de Los Inocentes//. Leone Battista Alberti (1406-1472) es uno de los arquitectos más reconocidos del quattrocento italiano. Fue un profundo conocedor de las matemáticas y la geografía. Entre sus obras destaca //Santa María Novella// de Florencia. Su fachada recoge la tradición artística toscana; en ella dos inmensas volutas sirven de unión entre la parte inferior y superior. //San Andrés de Mantua//, su obra más importante, anuncia el modelo de planta para las iglesias de los jesuitas que perfiló totalmente Vignola en el siglo XVI. En esta obra destaca el parecido de la fachada a un gran arco de triunfo.



ARQUITECTURA DEL CINQUECENTO El Cinquecento tuvo como centro Roma : En 1506 Donato d'Angelo Bramante  terminaba su célebre proyecto para la basílica de San Pedro  en el Vaticano , que será el edificio que marque la pauta en lo restante del siglo XVI. En esta etapa, los edificios tienden más a la monumentalidad y la grandiosidad. Miguel Ángel introduce el orden gigante en su proyecto para la basílica, lo que rompe con el concepto de arquitectura hecha a la medida del hombre. Los palacios se adornan con elaborados bajorrelieves o de esculturas exentas. Predominará de este modo la idea de riqueza, monumentalidad y lujo en las construcciones. Los arquitectos más destacados de este período son Bramante y Miguel Ángel. Donato Bramante (1444-1514) se interesó por la arquitectura, tanto desde el punto de vista teórico como el práctico. Investigó sobre el empleo de los órdenes clásicos y las plantas centralizadas. Su arquitectura está caracterizada por la severidad y el uso de planta central cubierta con cúpula. Sus obras más representativas son //Santa María presso San Satiro//, pequeño oratorio que añadió a la iglesia prerrománica de San Satiro, y el planteamiento de la reconstrucción de la //Basílica de San Pedro//, proyecto este último que solo llegó a comenzar y que sería más tarde continuado y modificado por Rafael, Antonio de Sangallo y Miguel Ángel, para ser concluido en el siglo XVII por Carlo Maderno. La visión de Bramante para San Pedro, una planta de cruz griega que simbolizaba la sublime perfección para él y su generación, fue fundamentalmente alterada por la extensión de la nave después de su muerte en 1514. El plan de Bramante preveía cuatro grandes capillas llenando los espacios de las esquinas entre los transeptos de igual tamaño, cada uno de ellos cubierto por una pequeña cúpula rodeando a la gran cúpula sobre el crucero. Así que el plan original de Bramante era más romano-bizantino en sus formas que la basílica que en realidad se construyó. Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) es el artista que marcará la pauta para el inicio del Manierismo. Como arquitecto introduce un elemento nuevo, la sorpresa. Es capaz de jugar con lo inesperado y utilizar el lenguaje clásico con una mayor libertad. En su obra //la Biblioteca Laurentina//, se permite todo tipo de libertades jugando con los elementos clásicos sin respetar sus normas e introduce un elemento que será decisivo en la arquitectura manierista: el agobio espacial. También se encargó, sin llegar a concluirla, de //la Basílica de San Pedro del Vaticano//. Su diseño, en gran medida, recogía la idea de Bramante: el templo tenía una planta cuadrada y una cúpula central que constituía su núcleo. Como proyecto de carácter urbanístico ejecutó //la plaza del Campidoglio// de Roma, en la que se encuentra //el Palacio de los Conservadores// que se encargó de restaurar. En este edificio empleó el orden gigante –característico del Manierismo- y colocó en el centro de la plaza //la estatua ecuestre de Marco Aurelio//.



ARQUITECTURA DEL MANIERISMO A medida que avanza el siglo el Manierismo se introduce en la arquitectura, con edificios cada vez más suntuosos, rebuscadas decoraciones y elementos que pretenden captar la atención del espectador por su originalidad o extravagancia. Miguel Ángel ejerció una enorme influencia sobre los arquitectos como Palladio o Vignola. Los principales aspectos de esta arquitectura son los siguientes: -Utilización del lenguaje clásico con absoluta libertad, empleando los elementos tradicionales pero sin respetar las reglas que los rigen y su distribución original. -En su base se encuentra un cierto enfrentamiento entre la función y la forma. -Búsqueda de la sorpresa, la originalidad y el movimiento. -Creación de espacios, por un lado compartimentados, y por otro, agobiantes. Uno de los arquitectos más importantes de este periodo es Andrea Palladio (1508-1580). Escribió un importante tratado titulado Los cuatro libros de arquitectura, en el que demuestra un gran conocimiento de la historia de la edificación. Su obra más destacada es la villa la Rotonda, ilustrada en su tratado; esta es el resultado de la anexión de las distintas formas geométricas simples y está precedida por un simetría total. Palladio ejercerá una inmensa influencia en los arquitectos del Neoclasicismo, especialmente en los más utópicos.

**ESCULTURA RENACENTISTA** La escultura renacentista está impregnada del ambiente cultural y artístico del romano. Se caracteriza por lo siguiente: Ø Alcanza una total independencia de la arquitectura y se desarrolla de un modo absolutamente libre, en comparación a los siglos de la Edad Media en los que siempre estaba ligaba ligada a la arquitectura. Ø Se busca la belleza, el equilibrio y el tratamiento anatómico se ajusta a un canon. El desnudo es uno de los temas preferentes, con el que se pretende una exaltación del cuerpo humano ya situado en el centro de la Creación. Ø Los principales materiales son el mármol y el bronce, el cual se llaga a trabajar magistralmente con la técnica de la cera perdida –Consiste en realizar una figura modelada en cera que se recubre de barro para hacer un molde-. Ø El relieve alcanza un extraordinario desarrollo con la utilización del //sciacciato// o relieve pictórico, el cual hace referencia al contraste de relieves.



ESCULTURA DEL QUATTROCENTO A través del estudio de los distintos autores y de sus obras se aprecia la evolución de la escultura renacentista. Entre los más importantes destacan Ghiberti y Donatello. Lorenzo Ghiberti (1378-1455) dedicó gran parte de su vida a la decoración de //las puertas del Baptisterio de Florencia//, cuyas primeras puertas fueron hechas por Pisano. En el año 1401, participó en el concurso para decorar las segundas puertas del baptisterio, resultando ganador. Su triunfo en el concurso resultó decisivo para su vida, puesto que la magnitud de la tarea requirió la creación de un taller de gran tamaño, que se convertiría en el principal de la ciudad durante medio siglo. El trabajo en estas puertas duró más de veinte años, y se incluyeron veinte episodios de la vida de Cristo y ocho tallas de santos, de un estilo minucioso, cercano al gótico. Su obra tuvo tanto éxito que posteriormente el gremio de comerciantes de Florencia le encomendó el encargo de ejecutar para el mismo baptisterio una tercera doble puerta, que acabó en 1452. Está decorada con diez bajorrelieves de bronce dorado que representan escenas del Antiguo Testamento, en un estilo totalmente diferente al anterior, en el que se aplican consecuentemente las reglas de la perspectiva renacentista. Miguel Ángel bautizó esta puerta como «//Puerta del Paraíso//», nombre con que se la sigue conociendo actualmente El segundo gran escultor de este periodo fue Donatello, diez años más joven que Ghiberti. Donatello es tenido en la Historia del Arte como el precursor de Miguel Ángel y su mayor interés fue la figura humana en las distintas edades, abarcando toda clase de tipos, gestos variados y expresando en su obra los estados espirituales más heterogéneos. Por otra parte, se considera a Donatello como un gran experto en el tema infantil, sobre todo en la expresión de la alegría de los niños. Claro ejemplo es su obra //David//. En la escultura de bulto redondo, difundió el retrato renacentista del busto cortado horizontalmente por el pecho y no sobre pedestal (como era costumbre en la escultura romana). Otro ejemplo es el busto en terracota –Técnica de arcilla modelada y endurecida-, representado como un joven diácono, en la //Sacristía Vieja de San Lorenzo// en Florencia. Esta manera de presentar los bustos-retrato fue adoptada por los escultores del Renacimiento y llegó casi hasta época barroca. En el siglo XVI el busto se fue alargando hasta ser cortado por la cintura. También dentro de la escultura de bulto redondo, Donatello fue el precursor de la figura a caballo (en bronce) en homenaje a un gran personaje y dispuesta en el centro de una plaza pública. La primera estatua ecuestre de Donatello fue la conocida como el //Condottiero Gattamelata //.



ESCULTURA DEL CINQUECENTO Miguel Ángel es la figura central de la escultura de este periodo. En los primeros treinta años de su vida conservó su cincel algunas tradiciones del siglo XV produciendo obras moderadas y bellas aunque vigorosas. A esta primera época se deben sus ponderadas esculturas de la //Madonna de Brujas// y la //Piedad//. Tiempo después se le encargó su obra //David//, representación del Rey David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat. Aquí se muestra la monumentalidad y la técnica del gran autor. Desde el año en que los papas comenzaron a encargarle la construcción de grandiosos monumentos, creó un estilo gigantesco, vigorosísimo, lleno de pasión, independiente y llamado de // terribilità // excepcionalmente suyo. De este género son las esculturas de los sepulcros de los // Médici // en la capilla de éstos en Florencia y las estatuas que preparaba el artista para el sepulcro del Papa Julio II sobre todo el famoso //Moisés// que se halla en la //basílica de San Pietro en Vincoli//.



ESCULTURA DEL MANIERISMO La característica que mejor define este periodo es la constante búsqueda de lo no convencional junto con la destrucción de un equilibrio lógico aplicando líneas o posturas deformantes, algo que a primera vista puede ser desconcertante para el espectador. Es el rechazo del equilibrio adoptando posturas forzadas. En el manierismo la escultura rehusó el clasicismo buscando formas curvilíneas y dinámicas, la llamada //serpentinata// o composición de curva y contra curva en que los cuerpos giraban en sí mismos, en espacios estrechos y a veces con escorzos muy pronunciados. Destaca la última etapa de Miguel Ángel con su obra la //piedad florentina//: //La Piedad florentina//, llamada así porque se encuentra en el Duomo de Florencia, se cree que fue empezada a partir del año 1550. Según Vasari y Condivi, Miguel Ángel proyectó este grupo escultórico con la idea que lo sepultaran a sus pies, dentro de la //basílica de Santa María la Mayor// en Roma. Más tarde, abandonó este deseo, por el de ser enterrado en Florencia, y también por la oportunidad de su venta, en 1561, a Francesco Bandini, que colocó la escultura en los jardines romanos de //Montecavallo//, donde permaneció hasta su traslado a //la basílica de San Lorenzo// de Florencia por parte de Cosme III en 1674; finalmente el año 1722 se colocó en //Santa Maria del Fiore// y desde 1960 se encuentra en el museo de la catedral. El grupo escultórico de la //Piedad florentina// consta de cuatro personajes: el Cristo muerto que está sostenido por la Virgen, María Magdalena y Nicodemo, los rasgos del cual son un autorretrato de Miguel Ángel. La estructura es piramidal, con Nicodemo como vértice, y el Cristo se muestra como una figura //serpentinata// propia del manierismo. El año 1555, no se sabe exactamente, si por accidente o porque la obra no le parecía bien al autor, la rompió en diversos trozos.

**PINTURA RENACENTISTA** El carácter distintivo de la pintura del renacimiento consiste en: Ø En la unidad de la composición, de la perspectiva, de la anatomía y morbidez muscular y de la belleza exterior física tendiendo a imitar la naturaleza con desenvoltura e inspirándose a la vez los artistas en las obras clásicas escultóricas. Ø Por razón de los asuntos, en la universalidad de ellos, dando mucha entrada a los mitológicos apenas tratados en la época anterior y cultivando singularmente el retrato y las historias. Y aunque no se olvidan los cuadros religiosos, carecen éstos por lo común de la idea y unión mística de la época precedente (sobre todo, en las Vírgenes o Madonnas) y hasta desvían con frecuencia el ánimo de la verdadera piedad. Aunque está plena de religiosidad, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia. Ø Por razón del procedimiento, se distingue en el abandono definitivo de los realces y dorados, en la predilección por los lienzos sin tabla y en la adopción casi exclusiva de la pintura al óleo, salvo las decoraciones murales al temple y al fresco. Surgieron innumerables centros o escuelas de pintura, sobre todo, en Italia, influyéndose mutuamente unas en otras a pesar de sus divergencias. No existe unanimidad crítica a la hora de distinguir las aludidas agrupaciones de artistas ni es uniforme el estilo de los diferentes maestros, por lo que las escuelas se reúnen sólo geográficamente.



PINTURA DEL QUATTROCENTO Los representantes del Quattrocento en la pintura fueron Masaccio (1401-1428), Fra Angelico  (1387-1455), Sandro Botticelli y Piero della Francesca quienes surgieron al mismo tiempo que una nueva técnica revolucionaria en la pintura que llegaría para quedarse: el óleo. El antecedente de este era el temple, el cual estaba elaborado por el pigmento y huevo. El estilo de estos artistas comenzó a ser distinto al gótico donde se comenzó a colocar a las figuras en espacios perspectivos y las proporciones humanas volvieron a normalizarse. Se perfeccionó la tridimensionalidad y se formaron las bases del estilo renacentista. A estos genios en la pintura les seguiría una nueva generación de pintores los cuales llevarían el Renacimiento hacia su plenitud. Durante este periodo, la novedad fueron los estudios en la perspectiva. A partir de este momento, varios cuadros experimentaron estudio de perspectiva, como el famoso cuadro de Piero della Francesca "//Vista de una ciudad ideal//" en donde se trabaja con la perspectiva central a un punto de fuga. Otro punto que se puso en práctica fue el escorzo, el cual era una de las técnicas más difíciles. Fra Angélico combinó la elegancia decorativa del gótico, en particular del gótico internacional de // Gentile da Fabriano //, con el estilo más realista de otros maestros del renacimiento como el pintor <span class="wiki_link_ext">Masaccio  y los escultores <span class="wiki_link_ext">Ghiberti  y Donatello, que trabajaban en Florencia, y aplicó también las teorías sobre la perspectiva de León Battista Alberti. Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra. Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal, especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los pintores más importantes del primer Renacimiento. Una de sus obras más representativas: //La Anunciación// (1430-1432), realizada para el convento dominico de <span class="wiki_link_ext">Fiesole. A pesar de la brevedad de la vida de Masaccio (1401-1428), su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por <span class="wiki_link_ext">Brunelleschi. Destaca su obra //El tríptico de San Juvenal//. La pintura se compone de tres tablas: la central representa a la Virgen con el Niño, flanqueados por dos ángeles; en los paneles laterales aparecen parejas de santos: San Bartolomé y San Blas en el de la izquierda, y San Juvenal y San Antonio Abad en el de la derecha. En la tabla central figura la inscripción que ha permitido datar la obra: //ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI VENTITRE D’AP//. La composición está construida de acuerdo con las leyes de la perspectiva: las líneas de fuga del pavimento de los tres paneles convergen en un punto de fuga central, representado por la mano derecha de la Virgen, que sostiene los pies del Niño. Sandro Boticelli destacó gracias a la //Adoración de los Magos//, que pintó en 1475 para // <span class="wiki_link_ext">Santa María Novella //, que llamó la atención de los <span class="wiki_link_ext">Médicis , que rápidamente emplearon su talento. Comenzó a trabajar para ellos pintando un estandarte para el torneo de Juliano de Médici, ensalzado por <span class="wiki_link_ext">Poliziano en sus Stanze. Sus contactos repetidos con esta familia fueron sin duda alguna, útiles para garantizarle protección política y crear las condiciones ideales para la producción de sus numerosas obras maestras. //La primavera// es obra realizada hacia 1478 para la casa de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici en la ciudad de Florencia. //El nacimiento de Venus// fue un encargo posterior, de otra persona para un lugar diferente, aunque a fines de siglo estas dos pinturas estuvieran juntas. Se convirtió en el máximo intérprete del neoplatonismo de la época, con su fusión de temas cristianos y paganos y su elevación del esteticismo como un elemento trascendental en el arte. Para dar forma a esta nueva visión del mundo, Botticelli opta por la gracia; esto es, la elegancia intelectual y exquisita representación de los sentimientos. En estas obras la influencia del realismo gótico está atemperada por el estudio que Botticelli hace de la Antigüedad. Pero aunque pueda comprenderse desde el punto de vista pictórico, los temas en sí siguen siendo fascinantes por su ambigüedad. Los complejos significados de estas pinturas siguen recibiendo atención de los eruditos, centrándose principalmente en la poesía y la filosofía de los humanistas contemporáneos del artista. Las obras no ilustran un texto en particular; más bien, cada una de ellas se basa en varios textos para su significado. Piero della Francesca (1415-1492) es uno de los principales y fundamentales personajes del Renacimiento. Trabajó técnicas nuevas, como el uso del lienzo como soporte pictórico y el óleo. Y también trató temas novedosos no sólo la omnipresente pintura religiosa, como el retrato y la representación de la Naturaleza. Tiene un estilo pictórico muy particular y por lo tanto es fácil de identificar. En su obra confluyen la perspectiva geométrica brunelleschiana, la plasticidad de [|Masaccio], la luz altísima que aclara las sombras y empapa los colores de Fra Angélico y <span class="wiki_link_ext">Domenico Veneziano , así como la descripción precisa y atenta a la realidad de los flamencos. Otras características fundamentales de su expresión poética son la simplificación geométrica, tanto de la composición como de los volúmenes, la inmovilidad ceremonial de los gestos, la atención a la verdad humana. Sus obras están admirablemente equilibradas entre el arte, la geometría y un complejo sistema de lectura a muchos niveles, donde se unen complejas cuestiones teológicas, filosóficas y de actualidad. Consiguió armonizar, tanto en su vida como en sus obras, los valores intelectuales y espirituales de su tiempo, condensando múltiples influencias y mediando entre la tradición y la modernidad, entre la religiosidad y las nuevas afirmaciones del Humanismo, entre la racionalidad y la estética. Destaca su obra //la <span class="wiki_link_ext">Anunciación de <span class="wiki_link_ext">Políptico de San Antonio  //, una clara estampa renacentista, donde se muestra su maestría con la <span class="wiki_link_ext">perspectiva.

PINTURA DEL CINQUECENTO Representan la cumbre del cinquecento tres maestros de la <span class="wiki_link_ext">escuela florentina : <span class="wiki_link_ext">Leonardo Da Vinci , <span class="wiki_link_ext">Miguel Ángel  y <span class="wiki_link_ext">Rafael. Leonardo Da Vinci (1452-1519), como pintor sus grandes aportaciones son la perspectiva aérea y el //sfumato// -Efecto vaporoso que se obtiene por la superposición de varias capas de pintura extremadamente delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de vaguedad y lejanía-. Entre sus obras más importantes está //La Virgen de las Rocas//, en la que nos encontramos cuatro figuras que crean un misterioso ambiente, en medio de un verde y húmedo paisaje envuelto en neblinas, de contornos difuminados por la lejanía. //La Última Cena// es un fresco que decora el convento de //Santa María de las Gracias// de Milán en el que el artista se decanta por la plasmación del momento más tenso y dramático de la última cena de Jesucristo con sus apóstoles. Más tarde pinta //La Gioconda//, uno de los cuadros más enigmáticos y discutidos de la Historia del Arte. El paisaje lejano y evocador sirve de marco al retrato de una mujer de misteriosa sonrisa. Miguel Ángel realizó su primera pintura, al menos la que se conserva, en 1503, //Tondo Doni//. En ella concibe una escena de gran belleza en la que predominan la nitidez, la precisión del dibujo y la utilización de colores vivos y alegres, alejado de la pintura de Leonardo. En 1508, el papa Julio II le encarga la decoración de la //Capilla Sixtina//, obra por la que será recordado. Los temas principales son las escenas del Génesis y el Juicio Final, cuyas gigantescas figuras serán una inspiración para los pintores del Manierismo. Rafael Sanzio (1483-1520), gracias a las experiencias de estar en contacto con Leonardo y Miguel Ángel, se convierte en un pintor que sistematiza diversas influencias creando un estilo personal y único. De su formación al lado del Perugino nos queda //Los desposorios de la Virgen//. En Roma se ocupó de la decoración al fresco de la //Stanza della Segnatura// con //La disputa del Sacramento//, //La escuela de Atenas//, //alegorías de la Jurisprudencia// y //del Parnaso// para exaltar ideales como la verdad, el bien y la belleza. Rafael puede ser definido como un pintor que supo llevar a la cima del equilibrio, la serenidad y la armonía que tanto persiguió el Renacimiento.



PINTURA VENECIANA Venecia, por sus relaciones constantes con el Oriente, se había conservado fiel al arte bizantino. Esta no participa de este movimiento renacentista. Venecia entra en escena cuando, la agotada Toscana de la pintura y la escultura, con Rafael y Miguel Ángel, han producido en Roma frutos de completa madurez. Entonces es cuando los pintores venecianos, llenos de fogoso entusiasmo por el color y la vida de la naturaleza, acaso más que por las formas, rejuvenecen el arte italiano, prolongando su evolución por espacio de otro medio siglo. En Venecia el color y la luz prevalecen sobre el dibujo y la forma. Se da mucha más importancia a la representación de la naturaleza que en los maestros de la escuela florentina. El paso decisivo, en estos momentos iniciales del siglo XVI, lo da <span class="wiki_link_ext">Giorgione, en cuyas obras como //la Venus dormida//, lo mismo que <span class="wiki_link_ext">Durero  con //la Adoración de la Trinidad// o //los Cuatro apóstoles//, logra una sensación tal de plenitud, de modelo perfeccionado e ideal, similar a las obras de Leonardo o Miguel Ángel, que parece difícil de superar. Pero a diferencia de estos maestros florentino-romanos, Giorgione consiguió con su "descubrimiento" de la naturaleza, aportar un rasgo nuevo que permitió el trabajo de maestros posteriores de calidad, aunque se suelen enmarcar dentro del manierismo: Tiziano (que en realidad es su contemporáneo, pero que tuvo una gran longevidad), <span class="wiki_link_ext">Tintoretto y el Veronés. Las obras de Tiziano ya no demuestran un estilo renacentista, sino algo más barroco, el manierismo. Junto a ellos, cabe citar a maestros menores, seguidores de los grandes artistas florentinos, y que ya elaboran sus obras //a la maniera// de sus maestros. Así, Leonardo tuvo imitadores especialmente gracias a su etapa milanesa: <span class="wiki_link_ext">Boltraffio, Andrea Solari (Solario) o Bernardino Luini. Discípulos inmediatos de Rafael fueron Giovanni da Udine, Julio Romano y <span class="wiki_link_ext">Perino del Vaga. Tras el saco de Roma marcharon a diversos puntos de Italia, difundiendo el estilo de Rafael con características ya manieristas.



PINTURA DEL MANIERISMO Esta pintura se caracteriza por: -Pérdida de la necesidad de representar el cuerpo humano según las proporciones clásicas, de tal modo que éste se hace más estilizado, más alargado e irreal. -El espacio dentro del cuadro ya no es interpretado como algo que se obtiene gracias a la matemática y la geometría. -Los colores se intensifican y se busca la captación del movimiento. Esto hace que surja con fuerza el empleo de la línea //serpentinata//, las líneas curvas que refuerzan la sensación de inestabilidad. Destacan los autores como Correggio con su obra //El rapto de Ganímedes// y como Parmiggianino con //la Madonna del collo lungo//, donde se ven reflejados claramente las características veneciana.